Juillet 2025. Je pars quelques jours dans le Morvan et à Dijon, pour une résidence de critique d’art autour du travail d’Alice Bidault, sur une invitation de la galerie Interface. Après une journée passée avec Alice, je comprends que son art est indissociable de ses choix de vie et de sa manière d’habiter le monde, un travail quotidien à l’écoute de la nature et de la beauté.

Je tiens à ce que ce soit beau.

Quand Alice Bidault évoque cette exigence de la beauté, elle considère ses œuvres mais aussi son quotidien. La beauté se doit d’être présente dans les lieux, les instants, les gestes. Installée dans le Morvan, Alice Bidault mène sa vie au rythme des cycles de la nature. Si pour elle, « le plus important, c’est le vivant » et que « l’art, ce sera demain », ses gestes liés au vivant jouent d’un équilibre global et fondamental entre sa vie en contexte rural et sa pratique artistique.

Alice Bidault cultive ainsi la beauté, dans son jardin, dans son art, dans sa vie. Pourtant, comme elle l’explique, « La nature n’est pas romantique. Elle est impitoyable. Elle n’attend pas ». La nature n’est pas un arrière-plan qu’on contemple, c’est la vie même, qui dicte le quotidien, les gestes et le labeur. Alice Bidault vit donc au rythme des saisons, des récoltes, du soin quotidien à son terrain, aux espèces endémiques ; elle pratique l’apiculture, la fermentation, la distillation ; fabrique son pain, son vin, récolte les fruits et le miel, les légumes et la sève. Ces actions ne sont pas seulement un ensemble de gestes et de savoir-faire mais participent d’une posture globale vis-à-vis du lieu et de son environnement. En effet, un lieu se détermine notamment par sa géographie, son climat, ses différentes espèces et leurs manières de vivre ; un lieu est en constante évolution selon les pratiques. Alice Bidault considère le territoire dans ce qu’il est, ce qu’il était et ce qu’il sera. Et agit en fonction, prenant son rôle d’habitante à bras le corps.

Elle rappelle ainsi la disparition de nombreuses variétés de châtaigniers qui faisaient autrefois l’identité du Morvan, remplacées par des plantations de pins Douglas destinés à l’exploitation commerciale. Elle évoque aussi les abeilles locales, petites et noires, résistantes face au froid aux frelons, aujourd’hui menacées. Plus largement, elle déplore l’appauvrissement des sols et l’érosion génétique, ainsi que la législation entourant la viticulture, qui conduit à l’usage de cépages vulnérables aux maladies et aux conséquences du réchauffement climatique. L’artiste s’attache à faire revivre le territoire en greffant des châtaigniers, en laissant les abeilles poursuivre leur travail — une seule récolte de miel par an lui permettant de concentrer dans un pot toute la richesse aromatique des quatre saisons. Elle sème des pépins, redécouvre des variétés oubliées et poursuit un apprentissage constant, nourri de son expérience dans le temps.

Par ces actions, elle renoue avec le passé, tout en vivant dans le présent et en tentant de préserver au mieux, l’avenir des lieux. Ces différentes strates de temporalités sont d’ailleurs essentielles pour l’artiste, dans sa vie et dans son art. Elle déclare : « J’ai choisi mon temps », celui des cycles de la vie plutôt que le temps accéléré de nos sociétés, qui conduit certainement à un déracinement vis-à-vis du monde.

Les œuvres d’Alice Bidault proposent ainsi des ponts entre différents temps, entre différents espaces. Elles provoquent des rencontres et créent des connexions, entre elles-mêmes mais aussi entre l’ici et l’ailleurs, au sens le plus vaste du terme. Alice Bidault noue, littéralement : les nœuds sont un motif récurrent dans son travail. Des nœuds qui font sens, des nœuds à lire pour décoder des messages, des nœuds qui illustrent une autre manière de s’exprimer et de transmettre, des nœuds qui s’adressent aux temps présents, mais aussi, aux sociétés à venir.

Alice Bidault invente un code à partir de nœuds et de couleurs, qu’elle utilise dans des œuvres comme Là (2025), Voir éclore le rêve (2024) ou Obélisque (L’aube est lisse) (2025). Elle répond ainsi à sa manière au Incas et à leurs quipus (« nœud » en quechua), système de cordelettes nouées qu’on ne parvient toujours pas à décoder malgré un appel international lancé en 2017, notamment aux programmateurs. En réalisant son propre quipus, in Mille plateaux « De la ritournelle » (2017), Alice Bidault donne à décoder des citations issues de livres qui sont pour elle « des fragments de culture artistique » qu’elle souhaite retenir et partager, comme une bouteille à la mer. Généralement, il s’agit moins des rhétoriques des écrits que de certains fragments qui en disent longs. Ainsi, Gilles Deleuze et Félix Guattari citent dans Mille plateaux (1980) une phrase du commandant Cousteau sur la migration des langoustes, afin d’illustrer la force des flux à l’œuvre dans les mouvements collectifs. L’artiste retient avec cette image, non pas la thèse des auteurs mais ce qui réside dans le « mystère de la vie ».

C’est exactement ce mystère qui guide les actes et les œuvres de l’artiste, qu’elle conçoit à partir de multiples significations, tissant différentes références entre elles. Pour Alice Bidault, les sens sont multiples, se trouvent dans les formes, dans les mots. L’artiste est ainsi adepte de la « langue des oiseaux » qu’elle utilise dans les titres de ses pièces. Cette langue donne à entendre un second sens aux mots, aux phrases, d’après leur phonétique : « c’est comme si on épluche un fruit et qu’on découvre l’intérieur ». L’art d’Alice Bidault est riche de plusieurs strates de significations, des jeux entre la forme, l’écrit et l’oral, les références et les messages. Le sens est donné puis perçu par des prismes culturels, sociaux, intimes ; il est toujours multiple.

Cette multiplicité peut se déployer depuis une seule forme : la sculpture Ogive (2018) est, sans en dire davantage, tout autant immense grain de riz, œuf de dinosaure, vaisseau spatial rétro-futuriste… Une ogive pure, qui se voit déterminée selon l’imagination de chacun·e. L’artiste en fait un motif avec Vase (tulipe) et Vase (cerise), l’utilise en miniature dans Verre d’eau (2019) et Mini Pinky (2019) où des rostres de bélemnites (animaux fossilisés) disposés sur un fond peint deviennent des plans de l’ogive sculpturale dans l’espace. Dans Apéritif autour d’une boîte de sardines (2019) l’ogive apparaît à partir de sardines « Sans queue ni tête » donnant lieu à une série de gravures avec des jeux de mots, de sens et de formes. Qu’est ce que les choses sont ? C’est précisément de ces va-et-vient entre les différentes expressions d’un même élément, que surgit, chez Alice Bidault, la poésie.

Et avec la poésie, des histoires se racontent. C’est le cas avec l’installation Migration (2022) où l’artiste s’inspire d’une figurine gallo-romaine du musée archéologique de Breuil pour inventer un troupeau de cerf qui se déplace et se nourrit de grains de maïs : une forme est détournée et ce détournement fait fiction, comme un conte. Dans ses Voussures (Recherche sur l’abbatiale de Sainte-Marie, Madeleine de Vézelay) elle isole des éléments païens issus des sculptures de la Basilique Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay, qu’elle reproduit en céramiques colorées et disposées au centre de cymbales. Les figures trouvent un contexte autre que celui de l’édifice religieux, ici liées à la musique, à la fête, au carnaval. Un autre imaginaire se déploie, depuis l’église jusqu’au rassemblement joyeux.

Les œuvres se racontent aussi entre elles, comme quand les néons rouges de L’eau de là (2022) qui à la fois éclairent et se reflètent dans l’eau de Fontaine votive (Timer) (2022-2025), coupoles de la ville thermale de Bourbon-Lancy reproduites et mises en équilibre. Par un jeu de reflet, le plafond est au sol, l’architecture se fait réceptacle. Des pièces de monnaie et une sculpture en céramique renvoient à des coutumes et croyances, aux prières et aux espérances passées, présentes, à venir. D’autres époques se croisent.

Si Alice Bidault revient régulièrement à l’archéologie, c’est qu’elle participe elle-même à des fouilles, ce qui lui permet de rencontrer et de croiser différentes temporalités. Le chantier est un espace-temps en marge, se vit comme une méditation, la création de liens avec des époques passées. Quand nous percevons le passé, c’est par le prisme de notre époque. Les temporalités, à différentes échelles, sont en friction. Il s’agit toujours, d’absences et d’hypothèses, de ce qu’on retient, ce qu’on interprète et de ce qu’on perd.

Les époques peuvent se côtoyer, se toucher : c’est ce que met en jeu Alice Bidault dans son art. L’artiste sculpte dans le temps, imagine des espaces, des histoires, fait résonner les mots et joue avec les formes. Elle crée à partir de l’invisible, de ce qu’on ne voit pas, de ce qu’on oublie. Ainsi, ses lampes Torches de terre (2022) sont également des fleurs et des nids et, pour l’artiste, « un hommage aux bourgeons qui n’ont pas pu éclore. » La beauté se trouve aussi dans ce qui n’a jamais existé, ce qui n’est plus : la vie est un cycle, une roue dans le temps. Il faut accepter que les choses puissent exister autrement que ce qu’elles devaient être, et que nous sommes nous-même un élément intrinsèque de ce monde qui nous dépasse. Le temps file, et nous avec. L’art est une manière de retenir ce temps, de créer des ponts entre l’avant et l’après.

Alice Bidault tisse des liens entre des réalités impalpables ; elle suscite la rencontre, le dialogue. Elle le fait autant dans la création de ses œuvres que dans ses gestes du quotidien, animés par une interaction continue avec ce qui constitue la vie. Ce rapport ouvert au monde évoque ce que le philosophe Hartmut Rosa appelle la « résonance » (1) : une relation vivante - vibrante - et transformatrice avec ce qui nous entoure, où l’on touche et où l’on est touché en retour. Les œuvres deviennent alors des espaces de résonance : elles nous invitent à ralentir, à nous décaler du rythme effréné l’accélération sociale inhérente à nos sociétés modernes (2), pour expérimenter d’autres espaces-temps. Elles ouvrent à des significations multiples, à des histoires partagées, à des sensations qui transforment nos manières d’habiter le monde. Avec l’enjeu ultime et continu, pour Alice Bidault, de faire en sorte d’habiter, mais avec attention, écoute, soin et respect ; avec beauté.

(1) Hartmut Rosa, Résonance. Une sociologie de la relation au monde, Éditions La Découverte, 2018.

(2) Hartmut Rosa, Accélération: Une critique sociale du temps, Éditions La Découverte, 2010.

Les œuvres citées ont été présentées dans l’exposition personnelle d’Alice Bidault, Par là du 17 mai au 19 juillet 2025 à la galerie Interface, Dijon.

Ce texte est écrit dans le cadre d’une résidence de critique d’art en Bourgogne-Franche-Comté, réalisée en juillet 2025 et coordonnée par la galerie Interface (Dijon), avec le soutien de la région Occitanie - Pyrénées / Méditerranée.

Un extrait du texte a été également publié dans Artpress n°539 (janvier 2026).

Je me rends régulièrement à Sète pour des visites d’expositions ou tout simplement pour le plaisir de prendre une bouffée de mer Méditerranée. J’y vais en train depuis Toulouse et, comme pour tous les trajets en train, j’apprécie ce moment suspendu dans lequel je prends le temps de lire, d’écrire, d’écouter de la musique et surtout de rêvasser en regardant le paysage. Si le train a participé à l’accélération de nos sociétés décrite par Hartmut Rosa dans son livre éponyme (1), rétrécissant l’espace-temps, ces trajets permettent de se laisser littéralement porter, de créer des parenthèses dans le quotidien. Avant d’arriver à Sète, le train passe par les étangs ; l’eau remplit alors le paysage, à savourer d’une fenêtre à l’autre.

Aujourd’hui je suis invitée par le musée Paul Valéry pour visiter l’exposition Carambolages d’André Cervera. Les visites presse se font toujours dans la rapidité ; aussi, il est prévu qu’un employé du musée vienne me chercher en voiture à la gare et directement m’amener jusqu’au musée, situé sur les hauteurs de la ville, en amont du cimetière qui surplombe la mer.

Je le retrouve effectivement devant la gare et nous discutons dans la voiture. Il me parle de la circulation, difficile à cause de L’Escale, le festival maritime qui se tient ces jours-ci. Il m’évoque la ville en fête, les queues interminables pour visiter les bateaux, les concerts organisés le soir, le monde qui déborde du centre-ville et bien sûr, les rues coupées à la circulation. Mais heureusement, il connaît les raccourcis. Je lui demande plus de détails sur son métier : que fait-il au musée ? Il me répond qu’il est surveillant, mais qu’il s’occupe ponctuellement d’autres tâches : le transport comme aujourd’hui, mais aussi parfois le montage et le démontage des expositions. Être au contact des œuvres lui plaît, de même que le calme du musée. Il déplore cependant que le temps passe trop lentement, les journées s’étirent, à surveiller les corps presque immobiles ou flottants, en contemplation devant les œuvres. Les musées figent les instants. Avant, il travaillait dans le bâtiment ; à l’inverse le travail manuel raccourcit en quelque sorte le temps, quand on est appliqué sur une tâche, la journée de labeur se termine vite. Il a dû arrêter et changer de métier, maintenant c’est différent. La conversation se termine sur la pluie et le soleil, nous arrivons au musée.

Le musée est un bâtiment brutaliste et rectiligne, que je trouve très beau, de par sa géométrie, ses traits simples d’apparence, les ouvertures traçant une ligne horizontale, les pilotis amenant finesse et verticalité à l’ensemble. Tout autour, l’eau, les pins parasols et les arbustes fleuris donnent au lieu une impression de calme, comme un espace-tampon entre l’extérieur et les œuvres.

Je me présente à l’accueil, puis l’artiste, André Cervera, arrive pour faire le tour de son exposition avec moi. Il parle vite, beaucoup, avec de grands gestes. Nous commençons par parler de Sète. Il m’évoque la ville dans les années 1990 : le port était alors complètement ouvert, sans aucune barrière. Les jeunes se baignaient directement dans l’eau des canaux et de la mer, leurs corps se mêlaient à ceux des pêcheurs. André Cervera est sétois, il a grandi au son des bateaux qui arrivent ou qui quittent la ville. Il m’évoque ces mouvements incessants. Le port, c’est l’emblème du voyage, c’est à la fois le départ et l’arrivée : les deux se mêlent. Ces allers-retours perpétuels se ressentent dans ses peintures aux motifs très denses, représentant des figures en mouvement, avec de grands gestes, des masques sur le visage, un désordre plus ou moins organisé, comme dans la revue, comme dans la vie.

C’est justement la vie qu’il peint. Il s’arrête sur un tableau qui représente sa chambre d’adolescent, partagée avec son frère, poète, dont on retrouvera certains écrits au sein de l’exposition. Dans un autre tableau, l’intérieur d’un bar sétois que je crois reconnaître, avec son flipper et ses posters de musique et de cinéma. La culture populaire est centrale pour l’artiste ; il aime mêler les références à un film, à un tract politique, comme lorsqu’il peint une affiche du Nouveau Front Populaire. Il dit que cela lui permet de contextualiser les toiles, mais ajoute, d’un air malicieux, que les contextes de lieux ou d’époques peuvent s’y mélanger. Je ressens de mon côté l’insouciance des années 1980, tout en couleurs flashy, cheveux désordonnés, boombox, jeux d’arcade.

À Sète, le port est la ville et la ville est le port. Et le port, ce n’est rien de plus que le voyage. André Cervera, qui se décrit lui-même comme « peintre-voyageur », voyage en effet beaucoup mais revient toujours ici. Il se sent chez lui dans tous les ports du monde car tous lui rappellent Sète : il y retrouve les bateaux, l’ambiance agitée et familière. Au-delà des ports, il me raconte les rues, les villages, les transports, d’Afrique, d’Inde et d’Amériques. Il me montre des détails de matières qui se mêlent dans les toiles, me raconte l’histoire de tel ou tel tissu, trouvé dans tel ou tel marché. Et toujours, ces corps en mouvement, ces différentes scènes qui cohabitent dans un même tableau. Il me présente également son théâtre d’ombres et une vidéo en mapping, deux installations réalisées en collaboration avec d’autres artistes. Il parle de marionnettes, de musique, de collaborations, comme de manières de déplacer son travail ailleurs. Il participe à des performances, des rituels destinés à la terre, aux saisons, au soleil. Parfois, il offre certaines de ses peintures à la terre en les enterrant : une forme animiste de collaboration.

Nous restons longtemps dans l’exposition, passant d’œuvres en œuvres, de salles en salles, jusqu’à la dernière. Au centre de la pièce sont disposées diverses publications de poésie qu’il a illustrées. Les mots rejoignent les images.

André Cervera reçoit un coup de fil qui coupe le fil de notre conversation. Il doit y aller et on a de toute façon fait le tour. Je vais saluer et remercier l’équipe du musée et je sors du bâtiment.

J’ai la sensation de reprendre contact avec le monde en sentant la chaleur du soleil sur ma peau. En quittant le musée, je ressens le besoin de marcher seule et en silence pour reprendre mes esprits. Les images des œuvres continuent de résonner dans ma tête tandis que je descends la colline, vers le port, puis jusqu’au phare.

Je m’assois en terrasse d’un restaurant, en face de la mer, pour un déjeuner avant ma deuxième visite d’exposition de la journée. Je savoure mon repas en tête à tête avec la mer.

Au CRAC, je suis seule pour visiter les deux expositions. Plastic Newspaper est la première exposition personnelle de l’artiste Lucy McKenzie en France. Certaines des œuvres entrent en écho avec ma propre journée : notamment des installations de wagons de train grandeur nature, avec des paysages peints qui défilent sur un tambour mécanique derrière la fenêtre.

Dans une petite salle, Louisa Marajo présente une restitution de résidence menée auprès des pêcheurs professionnels de Méditerranée. L’artiste martiniquaise a embarqué sur des chalutiers, et de ce temps d’immersion naît une scénographie qui renvoie de manière onirique à la criée et aux fonds marins. L’exposition me fait revenir à la mer, au port, aux bateaux.

Je sors du centre d’art, il me reste du temps avant de prendre mon train. Après le calme presque figé des salles d’exposition, je retrouve la ville en fête, les rues jonchées des stands du festival L’Escale, qui proposent moult activités. Des étudiant·es peignent les bateaux sur les quais. Des bateaux venus d’ici et là, du monde entier, montrent fièrement aux gens venus nombreux, leurs structures souvent en bois, drapeaux flottant aux vents. Je profite de la fête et m’offre quelques huîtres de l’étang de Thau et je retourne dans les rues du centre-ville pour acheter des tielles, une spécialité culinaire à ramener, inévitablement.

Je me dirige vers la gare en avance, je prends un peu le soleil sur le parvis puis je vais sur le quai. Un goéland me rejoint, la mer est partout ici. Je monte dans le train. Et je quitte Sète, à regret.

Dans le train, je me fonds dans mes pensées avec le dernier album de Société Étrange, Heat, dans les oreilles. C’est la BO parfaite pour l’environnement que je quitte ; la mer laisse place aux étangs puis à la garrigues. La musique se fait comme un plongeon dans des eaux profondes et troubles, à travers desquelles percent pourtant des étincelles de lumière. Elle est propice à créer des scènes mentales, des émotions denses et multiples, à travers des mélodies à la fois nostalgiques et optimistes. Je ne saurais dire si l’album est sombre ou joyeux ; certaines notes me font gonfler le cœur. D’autres me renvoient à des souvenirs, déploient mon imagination ou illustrent le paysage. Société Étrange nous hisse dans un monde liquide, une réalité parallèle. Dès que l’album se termine, j’appuie sur play pour l’écouter de nouveau : un moyen de prolonger le voyage, de dilater le temps.

1. Hartmut Rosa, Accélération : une critique sociale du temps, La Découverte, 2010.

2. Ma critique de l’exposition Carambolages d’André Cervera est à lire ici.

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L’écriture naît des émotions

J’ai commencé à écrire des articles sur les arts à partir d’une impulsion, suite à la visite d’une exposition d’Ange Leccia à la galerie Jousse à Paris.

L’exposition m’a transportée dans un état flottant, à l’image des vidéos présentées : des figures humaines, une femme ou l’artiste lui-même, sujets filmés et transformés en œuvre d’art par le fait même du médium vidéo, les pixels des écrans mêlant les individus aux éléments tels que la terre et l’eau. Les films mettaient sur le même plan les êtres humains, les œuvres et les éléments de la nature, dans un tout flottant et doux.

En sortant de la galerie, je me souviens d’être sonnée par le retour à la réalité, sentiment accentué par le contraste entre une plongée dans l’obscurité des films et les immeubles blancs de la rue Saint-Claude, alors tout ensoleillée. Cette sensation m’a suivie jusqu’à chez moi, où j’ai rédigé ma première critique d’art, qui est encore visible aujourd’hui, en ligne sur le magazine the Steidz.

Depuis ce premier article, je n’ai jamais cessé d’écrire sur l’art, procédant toujours de la même manière : je pars de mes affects, de mon ressenti propre.

Ainsi, quand je visite une exposition, je me laisse entièrement submerger par les œuvres : généralement je ne prends pas de notes, mais j’essaye de voir ce que les œuvres me font.

Qu’est-ce que je vois, j’entends, je comprends mais surtout : qu’est-ce que je ressens ?

Ce procédé s’explique peut-être par le fait que bien avant d’écrire dans le domaine de l’art contemporain, j’ai commencé à écrire dans celui de la musique, des comptes-rendus de concerts et chroniques d’album (par exemple celle-ci) sur des blogs et webzines. Mon plaisir était alors de mettre en forme et en mots des émotions, d’utiliser l’écriture comme un exutoire pour extrapoler des sensations physiques.

Écrire pour analyser et mieux comprendre

Dans la critique d’art, il y a d’abord une rencontre, avec une œuvre, un·e artiste, puis des émotions et enfin, la prise de recul, le travail de recherches et l’analyse.

L’écriture va être le moyen à la fois de comprendre et de faire comprendre, par le décryptage de ses ressentis propres, mais aussi, par la mise en lien avec d’autres discours comme celui de l’artiste ou encore, celui du contexte de diffusion de l’œuvre, qui est à la fois particulier et changeant, au gré d’une exposition ou d’un événement.

Je pense qu’une œuvre d’art, qu’elle soit plastique, sonore, écrite, ou autre, naît d’influences et d’interactions ; loin d’être une pièce isolée sortie d’une inspiration soudaine, elle se constitue notamment à partir de différentes strates de travail, recherches et expérimentations, rencontres et collaborations, de l’histoire des arts, de formes de pensées, mœurs et des actualités qui forgent une société. C’est un tout que la critique d’art tente de déceler, afin de comprendre ce que l’œuvre dit et apporte.

Écrire des critiques c’est partir de sa subjectivité, de ce qui nous habite et nous constitue, pour ensuite, situer l’œuvre dans le monde.

En partant du « je », l’écriture est ainsi une interprétation qui fait le lien entre différentes réflexions. Il s’agit de deviner à la fois d’où l’œuvre vient et où elle va ; de capter une sensibilité autre, celle de l’artiste et de ce qu’il partage, mais aussi, de percevoir encore au-delà.

La critique d’art est une rencontre, un juste milieu entre son ressenti intime et ce qu’ont à transmettre les œuvres ; entre sensible et analyse, expression et explications ; entre soi-même et l’art, entre l’art et le monde.

… Une nouvelle newsletter

Cela fait dix ans que j’écris de manière professionnelle des textes à propos d’expositions que je visite, d’œuvres et de pratiques artistiques, dans les arts visuels, mais aussi dans l’architecture ou le spectacle vivant.

Si ce travail me permet d’une part de découvrir, d’autre part d’analyser, comprendre, partager et mettre en valeur des œuvres qui me tiennent à cœur, j’ai souvent la sensation qu’il me manque un espace d’écriture ouvert, sans cadre ni direction prédéfinie.

Alors, cet espace, le voilà : une newsletter Substack, pour prolonger les expériences artistiques dans la vie quotidienne, pour partager mes impressions suite à l’écoute d’un disque ou au sortir d’un spectacle, mais aussi des attentions du quotidien comme le plaisir de sentir le soleil dans le dos ou de boire un café.

En bref, un espace pour transmettre par l’écriture, des brèves de plaisir, des bonheurs du quotidien, pour rappeler que les expériences artistiques sont celles de la vie, et vice versa ; pour habiter plus pleinement, prendre le temps de vivre et de ressentir peut-être, plus intensément ; pour partager et comprendre ce qui me touche et faire l’expérience de la critique d’art, appliquée aux détails et joies du quotidien.

Mais surtout, un espace que je conçois comme une plateforme d’échanges, comme un club de lecture ouvert à toutes les formes culturelles, une manière de se rencontrer autour d’intérêts communs, d’expériences et ressources à partager.